Piet Mondrian
Objetos reducidos a sus líneas más básicas, a veces en combinaciones de colores sobrenaturales. Líneas perpendiculares entre sí, en diagonal. Planos, rombos, bloques de colores primarios. Este fue el resultado de la búsqueda de la esencia de la vida, del ser humano, del animal, de la cosa, abstrayéndose a tientas de la forma, omitiendo cada vez más elementos y reduciendo constantemente los detalles de forma y color, para devolverlos a su núcleo.
En parte alimentado por los estilos de su época – expresionismo, impresionismo – Mondrian (1872-1944) acabó desarrollando, a través del cubismo, un estilo propio. Su obra muestra una vida de búsqueda del uno en todo. Como pintor evolucionó a su manera y puso así la primera piedra de una nueva dirección: el neoplasticismo o la Nueva Imagen [1].
Su punto de partida para ello fue lo terrenal, lo horizontal, para viajar en un desarrollo desde la forma material hasta su aspecto animador, desde el principio horizontal y vertical en la percepción sensorial hasta la abstracción de lo espiritual.
El artista captó muchas imágenes del paisaje de Zelanda, que le resultaba muy familiar tras algunas estancias más o menos cortas en Domburg y sus alrededores. El faro de Westkapelle, la iglesia de Oostkapelle, pintados con una luz sobrenatural: todos los edificios vistos desde abajo, la mirada dirigida hacia arriba, lejos de lo terrenal, lo siempre recurrente. En su evolución como pintor siempre buscó laa tensión interna entre forma y contenido, hasta que estos se omitiesen por completo y, con ello, acabó limitándose al dibujo de lo horizontal y lo vertical, en colores primarios y blanco y negro. Esta fue la obra que lo dio a conocer en todo el mundo.
Desde muy joven, Mondrian se interesó por las ideas de la teosofía, y en 1908 asistió a una conferencia de Rudolf Steiner en Ámsterdam e influido por ello escribió una carta al escritor I. en la que leemos:
Querido:
Por el momento, al menos, quiero que mi trabajo permanezca en el campo ordinario de los sentidos, porque es ahí donde todavía vivimos. Sin embargo, el arte puede constituir ya una transición hacia regiones más sutiles: tal vez lo llame erróneamente reinos espirituales, porque todo lo que tiene forma no es todavía espiritual, según he leído. Pero sigue siendo el camino ascendente, lejos de la materia.
En una larga carta a Rudolf Steiner expuso sus puntos de vista sobre la vida y la función del neoplasticismo, la Nueva Imagen. Por desgracia, nunca obtuvo respuesta, lo que le dolió, pero no lo desanimó. Siguió siendo miembro de la Sociedad Teosófica en la que había ingresado a los 37 años. Con ello, allanó el camino para un enfoque completamente nuevo de la pintura [2], convirtiéndose en un ejemplo para muchos que vinieron después. Cuando veo su obra tengo la impresión de que el artista quería dar un ejemplo de lo que debería ocurrir en el ser humano mismo: luchar por lo espiritual a partir de la base conocida de lo concreto-material.
Victor Vasarely
El artista húngaro Vasarely (1906-1997) parece haber continuado el camino trazado por Mondrian, pero añade otra dimensión. Aporta movimiento a sus obras jugando con los cambios de perspectiva y curvas en las líneas. Se le considera el fundador del Op art y luchó por la democratización del arte: una visión utópica sobre su acceso público.
Al contemplar su obra, no puedo evitar la impresión de que, consciente o inconscientemente, comprendía que debía producirse un desarrollo del ser humano terrenal desde la forma hasta la esencia. ¿Poseía, como Mondrian, el conocimiento interior de que nos impulsa a buscar la realización personal y la felicidad duradera, al margen de la forma y del macabro juego espacio-temporal de los opuestos?
Poco se puede encontrar sobre Vasarely, salvo una enorme cantidad de obras. Debió de estar ocupado día y noche, produciendo tan extensa obra que nos habla de una gran fascinación por las líneas, el movimiento y el efecto óptico, como si quisiera demostrar que nada en la forma es lo que parece. Líneas horizontales y verticales, cuadrículas con profundidades cóncavas absorbentes y protuberancias convexas de las que algo parece querer escapar. ¿Quizás nuestra alma que, atrapada en el mundo exterior, ha llegado a la profunda comprensión de que debe haber una forma de salir de este encierro?
Victor Vasarely, Feny del homenaje a Picasso, 1974
Sean Scully
En la obra de Sean Scully (Dublín 1945) la influencia de Mondrian es innegablemente reconocible, aunque de manera diferente.
-Parece como si estuviera mirando barrotes, ¿estuvo quizá en la cárcel?
-Diamantes, parece obsesionado con los diamantes, quizá por su ascendencia escocesa.
Son solo algunos comentarios de los visitantes en una de las exposiciones de su obra.
Scully no lo dice en ninguna parte de sus entrevistas, pero parece seguir su propio camino, profundizando en la dirección iniciada por Mondrian. Su visión del arte abstracto es absolutamente original:
Vi en un graffiti: ‘El tiempo se inventó para que no ocurriera todo al mismo tiempo’. Entonces pensé: el arte abstracto se inventó para que todo ocurra al mismo tiempo. La pintura abstracta quiere abarcarlo todo y presentarlo como una imagen destilada, mezclada e integrada de todo.
Al igual que Mondrian pasó toda su vida destilando la esencia de la forma, Scully mezcla e integra el color y la materia en una serie interminable de trabajos de una obra polifacética, simplificando así la realidad en una armonía de líneas y planos, horizontales, verticales, diagonales. A veces apretadas, ejecutadas con la precisión de una regla, luego en pinceladas libres, espontáneas, a veces onduladas, incluso casuales. Por una parte, expresa una fuerza primordial, un impulso de vivir que todo lo controla. Por otra, hay obras que destilan una tranquilidad profunda y tenue. En ellas se establece una interacción con el espectador que puede encontrarse a sí mismo como oyente, como caja de resonancia al contemplar toda esta obra visualmente abrumadora, que atrae a un nivel muy individual.
Si como espectador pasas por delante de una obra con una mirada interesada pero fugaz, te das cuenta de que, en otra obra, te quedas mirando de forma muy larga e intensa y parece que te absorbe, lo que suena a tópico, pero es una experiencia real. Un crítico de arte escribe sobre él:
Las líneas son una especie de música tranquila para el ojo, que aporta paz en medio del caos. Son cajas de resonancia para el alma.
El propio Scully [3]:
«A finales de los años 70 me di cuenta de que los promotores del arte abstracto eran todos extremadamente sofisticados. Esa gente era tan refinada que solo a ellos se les permitía entrar en ese ambiente selecto. Entonces pensé: basta ya de tonterías. Mi trabajo consiste en devolver la abstracción a la gente, «popularizarla», sin bajar el listón.
El arte destinado a todos era el ideal de Vaseraly.
Sean Scully, de la serie ‘Un océano seco de rayas’, exposición Villa Panza, Varese, Italia 2019
La serie «Un océano seco de rayas», obra de 1969, que realizó tras una estancia en Marrakech, es un ejemplo de abstracción inspirada en la coerción cultural. Scully:
En el mundo islámico no se permiten imágenes de seres vivos. Por eso se ven líneas por todas partes en el paisaje urbano, líneas interminables.
Como espectador de su obra no se puede escapar de las líneas que, a primera vista, pueden parecer cuadrículas. Sin embargo, basta con parpadear y parece que hay profundidad en ellas. Diferente de Vasarely, pero inmóvil. Líneas que se entrecruzan, otra cuadrícula detrás, y detrás otra, y detrás otra más, una estratificación como la vida misma. ¿En qué capa se centra tu atención, y en qué líneas, horizontales o verticales, de arriba abajo, o viceversa, o quizá en ambas? ¿O en las intersecciones? También puedes ver la obra como una red de muchos caminos según el nivel de consciencia de cada uno. Caminos horizontales individuales, siempre en una encrucijada, con la posibilidad de una elección: ¿sigues por la línea de vida horizontal, estás y permaneces centrado en lo material, lo sensorial, lo espacio-temporal, con las tensiones y acontecimientos a veces insoportables asociados a ello? ¿O eliges centrarte en el tacto de la línea de fuerza vertical, en cada intersección que se presenta en la consciencia; la vertical que nos mueve constantemente a la búsqueda y quiere arrastrarnos hacia el campo de vida de la inquebrantable verdad única?
Hay un camino muy concreto de lo espacio-temporal a lo abstracto, que sin embargo es muy concreto, se trata de un campo de vida donde los opuestos no existen. Quiero expresar con “abstracto” el sentido de abstraído, liberado del campo de vida material de lo positivo y lo negativo y del disfrute unilateral que alterna con el dolor y la tristeza, manifestando un nuevo mundo de unidad y amor, el verdadero Amor, que ya no se convierte en ningún opuesto.
Sean Scully perseveró para llegar a la cima artística tras muchos reveses. En una época posterior, consiguió mantenerse como pintor reconocido cuando la pintura tuvo que dejar paso al arte conceptual,. Pero, ¿no había pasado ya el apogeo del arte abstracto? ¿Su obra no llegó un poco como la mostaza después de la comida, o su éxito es el resultado de un marketing persuasivo? Quizá también podamos verlo como una señal, una expresión de la naturaleza circulante del campo espacio-temporal de la vida, en el que se nos ofrece una y otra vez la oportunidad de aprender de nuestras experiencias. Con el tiempo, se hace visible una evolución en la consciencia de cada ser humano y de la humanidad como organismo. Sin embargo, es la misma fuente de inspiración para todos la que impulsa la búsqueda de la verdadera vida. Artistas como Mondrian, Vasarely y Scully son un ejemplo de inspiración a través de las líneas verticales de fuerza que operan en el cosmos y el microcosmos y que, manifestándose a través del tiempo, tocan a cada ser humano desde ese otro y nuevo campo de vida. Depende de nosotros cómo responder a ese toque.
En cualquier momento puedes hacer uso de la libertad de elección y responder a esa fuerza que quiere nutrirnos e impulsarnos hacia un campo de vida donde todo lo negro, lo blanco y el color se funden en la luz.
Un amigo me preguntó una vez si los cuadros podían hablar, si eso era posible. Le respondí: «Sí, pero con el lenguaje de la luz. Los cuadros hablan con el lenguaje de la luz”. Palabras de Scully.
Sean Scully, ‘Lookin’ outward’ (Mirando hacia afuera), Villa Panza, Varese, Italia, 2019
Sean Scully, ‘Happy Days’, Villa Panza Exhibit, Varese, Italy 2019
Sean Scully: ‘Caja de aire’, acero cortado. Parque de esculturas de Yorkshire 2022.
Fuentes
[1] Pentagrama número 3, 2018. ‘El pintor en la encrucijada’, página 31.
[2] Van Paaschen: J., Mondrian y Steiner, Wegen naar Nieuwe Beelding (Caminos hacia nuevas imágenes), Komma 2017, ISBN 9 789491 525322.
[3] Niet te stoppen (Imparable), artista Sean Scully; https://www.npostart.nl/close-up/21-03-2020/AT_2131932.
