{"id":97870,"date":"2022-11-23T17:54:34","date_gmt":"2022-11-23T17:54:34","guid":{"rendered":"https:\/\/logon.media\/logon_article\/larte-e-un-mezzo-di-incontro-e-di-trasformazione-parte-2\/"},"modified":"2022-11-23T17:56:50","modified_gmt":"2022-11-23T17:56:50","slug":"larte-e-un-mezzo-di-incontro-e-di-trasformazione-parte-2","status":"publish","type":"logon_article","link":"https:\/\/logon.media\/it\/logon_article\/larte-e-un-mezzo-di-incontro-e-di-trasformazione-parte-2\/","title":{"rendered":"L’arte \u00e8 un mezzo di incontro e di trasformazione \u2013 Parte 2"},"content":{"rendered":"

Vai a Parte 1<\/a><\/p>\n

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RR\u00a0 \u00a0La mia pratica artistica si basa su un concetto di libert\u00e0, cos\u00ec come l’ho presentato, ed \u00e8 orientata ad esso, sia per quanto riguarda i miei processi pittorici, sia per i processi contemplativi di ricezione.\u00a0Ci\u00f2 significa che la mia concezione dell’arte \u00e8 orientata alla trasformazione in termini di processo di creazione, ma anche di possibili effetti spirituali, e non si basa sulla concezione: “l\u2019art pour l\u2019art”.<\/p>\n

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PE \u00a0Il modo in cui hai fatto questa introduzione si adatta alle tue immagini. Cio\u00e8, vengono espresse leggi di natura cosmica. Sperimentiamo il processo di creazione di Dio come figli di Dio e percepiamo come esseri creativi se siamo aperti ad esso. Paul Klee dice che l’arte non riproduce il visibile, ma lo rende visibile. Non solo rende visibile la creazione, ma anche la creativit\u00e0 e il fatto che siamo esseri creativi.<\/p>\n

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RR \u00a0Quello che dici fa risuonare qualcosa in me. Paul Klee e i suoi dipinti mi hanno sempre commosso molto. Era straordinariamente riflessivo, ha insegnato al Bauhaus e ha sviluppato e insegnato una dottrina pittorica differenziata. \u00c8 davvero notevole che fosse un violinista eccezionale. Per molto tempo non ha saputo se voleva essere un musicista o un artista visivo. Per me i suoi quadri hanno qualcosa di musicale, cio\u00e8 si sviluppano nel tempo, i suoi dipinti sono come una partitura. Ci\u00f2 che l’arte visiva esprime \u00e8 rendere visibile l’invisibile. Per me i miei dipinti sono spartiti nel senso di Klee, possono avviare e modulare in noi melodie in cui l’invisibile diventa visibile e il non detto diventa percepibile.<\/p>\n

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PE \u00a0Ecco perch\u00e9 il dittico sulla parete di testa della Hermes Hall con i due trittici a sinistra e a destra delle pareti lunghe sono bellissimi contorni pittorici, dove un’immagine si collega all’altra.<\/p>\n

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RR \u00a0Mi piace l’espressione “contorni pittorici”, perch\u00e9 va al cuore della questione; sono davvero interessato alla continuazione pittorica.<\/p>\n

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Attraverso la disposizione seriale dei quadri, si pu\u00f2 sperimentare una sequenza pittorica e un processo che va oltre la singola opera d’arte.<\/p>\n

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Ci sono altri aspetti rilevanti nella mia pittura, indipendenti dal principio seriale, che ha giocato un ruolo importante nella Pop Art di Andy Warhol. Ci sono altri tre punti di riferimento decisivi e principi pittorici di composizione che sono diventati significativi nel modernismo e hanno contribuito a formare la mia pittura come figlio dell’epoca. Sono l’apertura, il vuoto e la processualit\u00e0.<\/p>\n

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Apertura, vuoto e processualit\u00e0<\/strong><\/p>\n

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PE \u00a0Sono aspetti che conosciamo dalla pittura e dalla filosofia orientali.<\/p>\n

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RR \u00a0Prendiamo il vuoto.\u00a0Se chiedi a un europeo cosa costituisce una mano, sono le dita e il pollice;\u00a0se chiedi a un taoista cosa rende una mano una mano, \u00e8 lo spazio tra le dita.\u00a0Questo aspetto del contorno esterno di qualsiasi cosa materiale articola sempre lo spazio circostante e aiuta a modellarlo.\u00a0Ed \u00e8 proprio questo aspetto dello spazio e l’inclusione consapevole e intenzionale del vuoto e dell’interstizio nel progetto che costituisce un aspetto centrale del modernismo, che diventa virulento come parametro progettuale per l’architettura cos\u00ec come per la scultura e la pittura.<\/p>\n

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E poi c’\u00e8 l’apertura. Nel modernismo, l’incompletezza dell’immagine diventa importante; essa non rappresenta pi\u00f9 un tutto come l’opera pittorica tradizionale europea, ma fornisce solo una sezione di un continuum pi\u00f9 ampio e punta oltre i confini dell’immagine. Tali immagini enfatizzano la piattezza e intrecciano le figure pittoriche con il piano pittorico. L’azione pittorica si spinge in avanti nello spazio reale, viene incontro allo spettatore, lo aggredisce e lo coinvolge letteralmente.<\/p>\n

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Al contrario, l’immagine europea classica e tradizionale dell’epoca premoderna \u00e8 un insieme ermeticamente sigillato che si erge a pars pro toto<\/em> del mondo; funziona come una finestra che apre al nostro sguardo uno spazio immaginario interiore, ci risucchia in modo centripeto e ci conduce in uno spazio pittorico interiore che si apre illusionisticamente dietro il piano della tela.<\/p>\n

Il tipo di immagine aperta del modernismo europeo, le sue significative strategie stilistico-estetiche e i suoi principi compositivi, come il ritaglio dei soggetti dell’immagine e la sua riduzione astratta, la piattezza, il contorno e la dinamica ornamentale e la ritmica musicale, sono stati ispirati dall’estetica classica giapponese, dal cosiddetto giapponismo.\u00a0[1]<\/a><\/p>\n

PE \u00a0E il terzo, la processualit\u00e0?<\/p>\n

RR\u00a0 Processualit\u00e0 e temporalit\u00e0 diventano decisive gi\u00e0 nell’impressionismo del tardo Van Gogh e Claude Monet, quando le loro vibranti energie di colore-luce ci trascinano in un flusso temporale di movimento.<\/p>\n

Nel movimento Dada degli anni Venti e nell’Happening e Fluxus degli anni Sessanta, i fattori tempo e processualit\u00e0 sono virulenti e tematicamente centrali nel lavoro artistico di moltissimi artisti che hanno esercitato una forte influenza su altre discipline artistiche, e naturalmente in modo particolare sul pensiero e sul lavoro artistico di Joseph Beuys.<\/p>\n

Indipendentemente dall’esperienza sensoriale e dall’incontro empatico con la mia arte visiva (che in realt\u00e0 \u00e8 abbastanza sufficiente), questi possono essere integrati da una comprensione pi\u00f9 profonda delle forze di influenza sul modernismo europeo, che sono importanti anche per il mio lavoro artistico.<\/p>\n

L’\u00c9lan vitale<\/strong><\/p>\n

Oltre agli aspetti del vuoto, dell’apertura, della processualit\u00e0 e delle strategie estetiche giapponesi sopra menzionati, ci sono altri due importanti punti di riferimento per comprendere il mio lavoro artistico-pittorico: da un lato, il concetto di \u00c9lan vital di Henry Bergson, cio\u00e8 il principio di un’energia onnipervadente, e dall’altro mi riferisco in modo specifico al tardo Monet, in particolare ai suoi dipinti di ninfee della Rotonde nell’Orangerie di Parigi. \u00c8 interessante che Monet abbia ascoltato le lezioni di Bergson a Parigi e sia stato cos\u00ec influenzato dal suo concetto di \u00c9lan vital. \u00c8 il corrispettivo nella storia intellettuale europea del concetto del \u201cchi\u201d, che va inteso come un’energia onnipervadente che svolge un ruolo decisivo nell’arte curativa della medicina tradizionale cinese e nelle arti marziali asiatiche.<\/p>\n

Vivo le ninfee dipinte da Monet come campi energetici di luce colorata che circondano lo spettatore da tutti i lati ed esercitano un effetto suggestivo molto forte a cui non si pu\u00f2 sfuggire.<\/p>\n

Questo mi ha ispirato a creare un energico campo di luce colorata sotto forma di ambiente per la Hermes Hall del Centro Congressi Rosacroce, utilizzando i miei mezzi pittorici. Per questo ho chiamato questi dipinti: il ciclo \u00c9lan vital.<\/p>\n

PE \u00a0L’abito del tempo non \u00e8 solo un certo abbigliamento o aspetto, ma riguarda anche il tempo spirituale, il carattere dell’espressione e il livello vibrazionale.<\/p>\n

RR \u00a0Livello vibrazionale riassume molto bene il concetto. Mi occupo delle modulazioni dei campi vibrazionali, in cui modulo e sono modulato io stesso nel processo pittorico in corso. Nei miei processi pittorici, che durano ore (fino a otto ore senza pause), la frequenza vibrazionale aumenta. Se poi riesco a rimanere completamente concentrato su ci\u00f2 che sto facendo e a trattenere l’energia, ne sono completamente assorbito, sono nel flusso e il campo vibrazionale mi guida. In questo stato di coscienza perdo completamente il senso del tempo.<\/p>\n

Ogni volta vivo l’intero processo come un’esperienza spirituale profonda e duratura.<\/p>\n

PE \u00a0Come artista, cosa pensi della percezione?<\/p>\n

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Consapevolezza e creazione<\/strong><\/p>\n

RR \u00a0Nelle arti visive non si parla di percezione, ma di “visione artistica”. Nel termine “percezione” \u00e8 insito di per s\u00e9 il concetto di “verit\u00e0”. E qui il termine “vedere” \u00e8 meno gravato da una pretesa di verit\u00e0. Inoltre, la storia dell’arte ci mostra che le diverse opere pittoriche ci rivelano modi del tutto diversi di vedere artistico, in cui uno non \u00e8 pi\u00f9 vero dell\u2019altro. \u00c8 un’ovviet\u00e0 anche nella vita di tutti i giorni: una guardia forestale vede una foresta in modo diverso dal proprietario di una segheria o da un escursionista. Lo stesso vale per i pittori.<\/p>\n

Ora vado oltre il termine “vedere” e preferisco parlare di “consapevolezza”, perch\u00e9 tale consapevolezza da un lato comprende tutti i sensi e non si concentra solo sul vedere, e dall’altro diventa consapevole sia del conscio che dell’inconscio dentro di noi. La consapevolezza a cui alludo riunisce il vedere, l’udire, il sentire, l’odorare e il gustare esteriori e interiori ed \u00e8 intrecciata con i nostri processi mentali. Vivo il “processo di consapevolezza” come un processo di ispirazione, fermentazione, condensazione e progettazione creativa, a cui mi abbandono per assorbirlo completamente e per crescere al di l\u00e0 di me stesso in modo da dimenticarmi di me stesso. Impressione ed espressione si compenetrano nel mio processo pittorico, manifestando una “formazione di immagini” in ci\u00f2 che faccio. Mi riferisco al risultato di questa dinamica come “percezione”. In questo processo mi sperimento come un medium, \u00e8 per me una forma di contemplazione energetica in cui il \u201csegreto della creativit\u00e0\u201d mi si rivela ancora e ancora nei modi pi\u00f9 diversi, come qualcosa di \u201cnuminoso e meraviglioso\u201d.<\/p>\n

Concettualmente, la verit\u00e0 \u00e8 anche inerente alla consapevolezza, ma tale realizzazione sensoriale \u00e8 un processo di cognizione che non \u00e8 determinato da un’attenzione centrata, qualcosa di simile a un bersaglio chiuso e stretto che mira intenzionalmente a un oggetto della percezione.<\/p>\n

Nella consapevolezza, metto a fuoco e mi apro sia a una sorta di lente grandangolare che cattura i modelli, sia a una sonda che penetra pi\u00f9 in profondit\u00e0 e fa luce sulle strutture micro e macro della visione interiore.<\/p>\n

Nel processo di consapevolezza, a cui mi abbandono e in cui mi immergo, mi si rivela qualcosa di intrinsecamente vero. Nell’intero processo pittorico, la consapevolezza e la “coscienza” si compenetrano.<\/p>\n

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Un campo vibrante e onnicomprensivo<\/strong><\/p>\n

Nei miei processi pittorici avanzati, qualcosa di essenziale spinge sempre pi\u00f9 verso l’apparenza. Nel divenire “forma immagine”, una visione rivelatrice dell’essenza del miracolo della creazione e dell’energia universale mi attraversa e mi supera. Questo tipo di sguardo e di creazione artistica \u00e8 per me come un’esperienza mistica, in cui divento parte della connessione, della penetrazione e della realizzazione in un campo vibrante e onnicomprensivo. L’arte \u00e8 diventata per me un mezzo di incontro e trasformazione nel mio viaggio esistenziale.<\/p>\n

PE \u00a0Passiamo ora ai dipinti che hai realizzato per la Hermes Hall.<\/p>\n

RR \u00a0I miei dipinti in realt\u00e0 non sono astratti, ma concreti. Tuttavia non ritraggo oggetti, ma qualit\u00e0 che si nutrono della mia esperienza del mondo e della natura, soprattutto qui nel Westerwald e nel meraviglioso parco del vostro centro di Birnbach. Sono impressioni che possono essere suscitate nello spettatore dalle immagini.<\/p>\n

Associamo immediatamente un’esperienza sensoriale alla pianta, al legno, alla carne. Indipendentemente dai loro effetti cromatici e psicologici, i colori hanno un forte potere simbolico che viene modellato culturalmente. Il viola, ad esempio, ha per me una qualit\u00e0 spirituale. \u00c8 il matrimonio tra il rosso e il blu: il rosso, il carnale, e il blu, il celeste, si uniscono nel viola; vivo il viola come magico nei suoi effetti su di me.<\/p>\n

I contrasti molto forti sono, indipendentemente dai contrasti cromatici dei colori primari (rosso, blu, giallo), i contrasti complementari (rosso\/verde, blu\/arancio, giallo\/violetto), e determinano dinamica e vivacit\u00e0 nell’immagine. I contrasti di caldo e freddo, di qualit\u00e0 cromatiche argentate e dorate sono forze d’animo sensuali che creano atmosfere e stati d’animo. Sono i mezzi con cui orchestro le mie immagini, quando contrappongo i colori in modo aspro o li lascio fondere l’uno con l’altro in modo sfumato e delicato. Vicinanza e permeabilit\u00e0, demarcazione e distanza, penetrazione e fusione, avvicinamento e allontanamento, dissoluzione e condensazione, trasformazione e metamorfosi sono mezzi progettuali e formazioni in grado di innescare riferimenti interiori e psicologici nell’esperienza dello spettatore.<\/p>\n

PE\u00a0 Potresti applicarlo ai tuoi quadri nella Hermes Hall?<\/p>\n

RR\u00a0 Non sono un creatore di immagini, ma un produttore di immagini. Sono veicoli per il nostro paesaggio interiore dell’anima, sia per i processi di immagine archetipici del nostro inconscio collettivo, di cui parla CG Jung, sia per gli stati di coscienza transpersonali e non duali, come descritto da Ken Wilber e anche da David R. Hawkins.\u00a0I miei quadri non sono opere d’arte autonome nel senso di \u201cl’art pour l’art\u201d, ma \u201cquadri devozionali\u201d e strumenti per processi contemplativi.<\/p>\n

Ho disposto queste sei \u201cstrutture\u201d in un ambiente nella Hermes Hall, in modo che i due trittici sulle rispettive pareti longitudinali sinistra e destra con il dittico sulla parete di testa rappresentino spazialmente un crocifisso che racchiude lo spettatore e genera un campo energetico.<\/p>\n

PE \u00a0Intendi dire che si crea un campo comune di vibrazioni?<\/p>\n

RR \u00a0S\u00ec, si possono sperimentare corrispondenze pittoriche, echi e risonanze molto diverse nel campo. Le vibrazioni possono essere disarmoniche o armoniose. I campi vibrazionali visivi hanno diverse qualit\u00e0 che sperimentiamo come solide, coagulate, morbide, spigolose, taglienti o anche flessibili, opache o fragili. E sperimentiamo diverse velocit\u00e0 e qualit\u00e0 di movimento, ci sono accelerazioni, decelerazioni e arresti, movimenti fluidi, passaggi fluidi, pulsazioni.<\/p>\n

Non siamo mai al di l\u00e0 della nostra corporeit\u00e0 e dell’esperienza sensoriale del mondo, di cui per\u00f2 possiamo certamente prendere coscienza come qualcosa di essenzialmente spirituale. E l’arte pu\u00f2 essere utile qui come staffa di supporto. Tuttavia, lo spettatore deve esporsi costantemente al campo vibrazionale e dondolarsi in sella. Perch\u00e9 n\u00e9 la meditazione n\u00e9 la preghiera avvengono da sole, n\u00e9 il contenuto estetico-mentale e spirituale di una figura pittorica si rivela senza la devozione partecipe di uno spettatore.<\/p>\n

PE \u00a0Grazie mille, Robert, per questa intervista.<\/p>\n

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[1] <\/a>Il termine “giapponismo” fu coniato nel 1872 dal critico d’arte francese Philippe Burty. Tra gli artisti francesi che furono influenzati dall’arte giapponese vi sono, ad esempio, \u00c9douard Manet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Paul Gauguin e Vincent van Gogh, ma soprattutto Claude Monet.<\/p>\n","protected":false},"author":925,"featured_media":97375,"template":"","meta":{"_acf_changed":false},"tags":[],"category_":[110066],"tags_english_":[],"class_list":["post-97870","logon_article","type-logon_article","status-publish","has-post-thumbnail","hentry","category_-art-it"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/logon_article\/97870","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/logon_article"}],"about":[{"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/types\/logon_article"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/users\/925"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media\/97375"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=97870"}],"wp:term":[{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=97870"},{"taxonomy":"category_","embeddable":true,"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/category_?post=97870"},{"taxonomy":"tags_english_","embeddable":true,"href":"https:\/\/logon.media\/it\/wp-json\/wp\/v2\/tags_english_?post=97870"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}